Dynamiek in muziek is een van de belangrijkste tools die een muzikant tot zijn beschikking heeft. Het helpt je met het creëren van spanningsbogen in je tracks waardoor luisteraars continu door willen luisteren.
In de klassieke vorm is dynamiek voornamelijk gericht op het harder of zachter spelen van instrumenten. Je kunt echter ook op andere manieren dynamiek toevoegen aan je track. Zelf zie ik dynamiek niet zozeer als hard versus zacht spelen, maar meer als een (merkbaar) verschil creëren tussen de gedeeltes in je track. Het gaat om contrast.
Dit contrast kan een verschil zijn tussen de hoofdgedeeltes zoals de chorus en de verse, maar dit contrast kan ook op een kleiner niveau worden gecreëerd. In deze post geef ik je 5 tips over hoe je dynamiek kunt toepassen tussen de verschillende gedeeltes van je track en op micro niveau!
Pas deze tips toe in je producties/muziek en je gaat geheid interessantere muziek maken.
Inhoudsopgave
Dynamiek in muziek door ‘vraag en antwoord’
Vraag en antwoord is een van de beste principes om dynamiek in muziek toe te passen. Het principe van vraag en antwoord is gebaseerd op hoe mensen met elkaar praten.
Let maar eens goed op als je mensen hoort praten. Als je luistert naar de toonhoogte die een stem aanhoud, dan merk je al gauw dat een stem bij een vraag in een hogere toon eindigt en bij een antwoord in een lagere toon. Mensen zijn hieraan gewend en vinden dit prettig.
Dit principe is super handig om toe te passen in bijvoorbeeld een melodie. Het idee is dat je melodie in de eerste maat als een vraag klinkt en in de tweede maat als een antwoord. Je melodie eindigt bij de vraag op een hogere noot om vervolgens bij de vraag op de grondtoon te eindigen. Het eerste gedeelte van deze maten kun je in principe hetzelfde houden als je dat wilt.
Vraag en antwoord zorgt voor een continue afwisseling tussen spanning (vraag) die vervolgens wordt opgelost (antwoord). Hierdoor ontstaat er een spanningsboog. Dit principe is op elk instrument in je track toe te passen!
Naast ‘vraag en antwoord’ kun je ook het ‘statement en uitleg’ principe toepassen. Dit principe is gebaseerd op hetzelfde idee, alleen creëer je hierbij niet de spanningsboog door een verschil in toonhoogte, maar meer door een verschil in ritme. De melody van Ghostbusters (0:21) maakt hier gebruik van.
De beste manier om over vraag en antwoord te leren
Het toepassen van vraag en antwoord kan moeilijk zijn als je niet precies weet waar je op moet letten. De online game Building Blocks kan je echter helpen om dit principe onder de knie te krijgen en toe te passen als een pro.
Building blocks is de perfecte game om je songwriting skills naar een nieuw level te tillen. Doormiddel van games leer je de complete basis van muziektheorie tot componeren, waardoor je de muziek in je hoofd moeiteloos kunt omzetten naar een volledige productie.
En het mooie is: je kunt het gratis uitproberen!
Zelfde melodie, andere instrumenten
Een andere manier om dynamiek toe te passen is door sounds af te laten wisselen. Laat bijvoorbeeld in de intro van je track de melodie spelen door een piano en in de chorus door een synthesizer. Door dit te doen kun je zorgen dat luisteraars continu geïnteresseerd blijven zonder dat je track herkenbaarheid verliest.
Sound keuze speelt hierbij een grote rol. Het liefst wil je dat de sounds zo goed mogelijk in elkaar overvloeien. Gebruik je in je verse een harp en in je chorus een rave synth, dan wordt het moeilijk om deze subtiel af te wisselen. Je bent echter vrij in de muziek die je maakt, dus als je zo’n groot contrast voelt ga er dan vooral voor! 🙂
Een goede truc om instrumenten beter in elkaar over te laten gaan is het gebruiken van kleine muzikale elementen. Een harp klinkt heel natuurlijk en een rave synth klinkt erg digitaal. Wil je subtiel van een harp naar een rave synth overgaan, plaats dan onder de harp kleine digitaal klinkende elementen in je muziek. Dit kan op de achtergrond, maar dit kan ook als extra laag in je melodie.
Op deze manier zorg je voor een vloeiende spanningsboog in je muziek. Je krijgt controle over de energie levels van de verschillende gedeeltes in je track.
Een goed voorbeeld is de Davy Jones theme van Hans Zimmer. De melodie wordt eerst gespeeld door een speeldoosje, en later door een orgel. De melodie blijft hetzelfde maar de vibe is heel anders. Let ook op de vraag en antwoord in de melodie.
Gebruik fills in overgangen
Een truc die je waarschijnlijk al eens toegepast hebt is het gebruik van een fill als overgang tussen twee gedeeltes in je track. Bij fills wordt vaak alleen gedacht aan drums, maar eigenlijk kun je met elk instrument of soundeffect een fill creëren! Fills zijn eigenlijk niets anders dan een doorbreking van een vast ritme of melodie.
Fills zijn goed voor dynamiek omdat ze een opstapje kunnen bieden naar een nieuw energie niveau. Op deze manier voelen wisselingen tussen gedeeltes minder abrupt.
Door verschillende instrumenten om de zoveel maten afwisselend een fill te laten maken houd je de aandacht van de luisteraar vast. Er lijkt altijd wel iets nieuws te gebeuren en dit heeft onbewust een grote invloed op het luistergedrag.
Fills hoeven niet perse de show te stelen. Een kleine variatie op het voorgaande kan al genoeg zijn. Je kunt kleinere fills prima gebruiken als micro dynamiek. De intensere fills kunnen dan overgangen maken naar nieuwe gedeeltes.
Lage frequenties voor meer energie
In een eerdere post heb ik het al eens gehad over verschillende frequentie ranges en hun functie in muziek. In die post heb ik het onder andere over de lage frequenties en hoeveel energie deze toevoegen aan muziek.
Lage frequenties geven je die extra punch waardoor je muziek gaat voelen. Haal je de lage frequenties weg, dan voelt muziek al snel minder intens. Dit principe kunnen we goed gebruiken om de energie levels te beïnvloeden in onze muziek.
Als je zorgt dat je in een chorus net even iets meer lage frequenties toevoegt (doormiddel van een bass bijvoorbeeld), dan voelt deze chorus veel groter ten opzichte van de verse ervoor. Een goed voorbeeld waarin je kunt horen wat ik bedoel is de track Reminder van Moderat. Op 2:04 begint de chorus zonder bass en vanaf 2:14 wordt deze toegevoegd. Het zelfde stuk muziek krijgt opeens veel meer energie.
Dynamiek in muziek door het stereobeeld te beïnvloeden
Door het stereobeeld op de juiste manier te beïnvloeden kun je veel dynamiek toevoegen aan je track. Hoe wijder je stereobeeld hoe grootser de muziek klinkt. Dit principe wordt onder andere in EDM veel toegepast in de aanloop naar een drop.
Het werkt als volgt. Tijdens de opbouw naar de drop zorg je dat het stereobeeld langzaam steeds minder breed wordt. Als vervolgens de drop erin knalt zet je het stereobeeld in een keer weer volledig open.
De luisteraar merkt (als je dit goed doet) niet of nauwelijks dat het stereobeeld langzaam minder is geworden. Als de drop er vervolgens komt voelt het daardoor alsof de track opeens nog grootser is geworden dan die al was. Deze truc moet je subtiel toepassen maar kan echt mega veel dynamiek geven!
Aan de slag met dynamiek in muziek!
Ik hoop dat je door deze tips nieuwe ideeën en inspiratie hebt gekregen. Natuurlijk zijn er nog veel meer manieren om dynamiek toe te passen in je muziek. Probeer er maar eens mee te experimenteren! 🙂
Het is nu aan jou om deze technieken onder de knie te krijgen! Wil je echt een goede basis neerleggen met je producer skills? Dan wil ik je nogmaals aanraden om Building Blocks uit te proberen. Ook voor meer gevorderde producers valt hier zeker nog veel waardevolle informatie te leren.
Building Blocks heeft een gratis demo dus je kunt rustig even kijken of het bij je past. Veel plezier!
Probeer Building Blocks nu gratis uit!
Leer binnen no-time alles wat je moet weten over muziek productie.